The Pop Group - Y

We are time, de The Pop Group [crónicas a destiempo]

We are time, de The Pop Group


Texto: Daniel Jándula
Artista: The Pop Group
Álbum: Y
Editado por: Radar Records (1979)


Género: Dub-Punk
Calificación: Notable

Si hay una banda que podemos considerar paradigma de esta sección de canciones fuera del tiempo, esa es The Pop Group. Y no porque sean capaces de tardar treinta y cinco años en volver bien (esto es: no únicamente para celebraciones nostálgicas); también porque, como decía Susan Sontag, “el tiempo existe para que no suceda todo a la vez”, de manera que canciones como esta puedan llegar al oyente con la misma intensidad sin depender de la perspectiva histórica.
No es el único ejemplo, pero es un ejemplo mayor: de forma similar al regreso de My Bloody Valentine, aunque de otro modo y por otras razones, cuando uno escucha su Citizen Zombie piensa que esa cantidad de tiempo se borra de golpe y los recuerdos de la época original, si los hubiera, regresan con toda su fuerza.

letras políticas, conciencia social, apego al existencialismo beat, descripción de bailables prodigios, distorsión que pide ser escuchada a un abusivo volumen y dub salvaje

No me canso de decir que la última vez que sacaron disco ocurrió antes de que yo naciera; es un hecho anecdótico, desde luego, pero explica por qué The Pop Group estaba, o están, para mí, antes del tiempo. Esta es una de esas muestras que permiten conocer con fidelidad qué se cocía en 1979. Por otra parte, cualquier cosa que pretendamos anticipar sobre ellos ya la habrán puesto en duda antes de que esa idea se asiente.
Es conveniente detenernos en una de sus canciones menos recordadas… relativamente, claro, por aquello del tiempo.

No sorprende su reunión tanto como que estas tímidas apariciones previas a la publicación de este reciente y rabioso, provocador y exhaustivo canto de ciudadano zombi se tratara de un calentamiento. En cuanto al contenido, que les lleva mucho tiempo de ensayo y error a la hora de grabar, nos encontramos con su habitual mezcla de letras políticas, conciencia social, apego al existencialismo de los beats norteamericanos; descripción de bailables prodigios, una distorsión que pide ser escuchada a un abusivo volumen y su marca de agua: el dub salvaje que tanto bien ha hecho por bandas como Primal Scream o Felt, y en menor medida por Sonic Youth.

En «We Are Time» se pasa en segundos del punk de corte industrial a esos elementos de rave y noise que practicaría la Haçienda de Gretton y Tony Wilson una década más tarde en Manchester. Efectivamente, ellos estaban en la génesis de Creation Records, aunque solo fuera por la influencia de la línea de bajo continuo de Simon Underwood y las modulaciones en la voz, más calculadas de lo que parece, de Mark Stewart. La única explicación que tengo es que han engullido el tiempo y pocas migas han dejado.

Agenda de conciertos - Foto (CC) Glasgowbury

Agenda de conciertos

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The Church Seance

One Day, de The Church [crónicas a destiempo]

Seance
TheChurch: Seance
Texto: Daniel Jándula
Artista: The Church
Álbum: Seance
Editado por: EMI / Parlophone (1983)


Género: Pop
Calificación: Clásico

One Day
es un
insólito
conjuro
que ofrece
al oyente
la capacidad
de desplazarse
durante unos
minutos por
tranquilas
sombras

Cuesta imaginar qué pasa por la cabeza de un músico cuando planea los aspectos comerciales de su trabajo, si es que lo hace. Este pudo haber sido un magnífico single, pues lo tiene todo: es accesible pero sin ser facilón; invita a ser reproducido una y otra vez sin caer agotado; es un resumen de lo que fue The Church durante esos años, y a la vez aporta un ligero toque del momento de locura experimental que casi condujo a los australianos a la disolución total. Sin embargo, se optó por canciones fallidas en sus primeros compases, y quizá eso fuera mucho pedir a los que no eran incondicionales de la banda. El conjunto del disco es brillante, y en cuanto desaparece el prejuicio inicial ante los temas más cercanos al color rosa de la portada (con esa especie de flor que nos recuerda a la corona del Macbeth de Orson Welles), nos encontramos con un oscuro sonido como parido en el interior de una cueva, y al que la distancia del tiempo ha favorecido. Otro de los problemas derivados de este tercer disco es que el grupo no creyó del todo en la producción y la mezcla y los problemas económicos les obligaron a detenerse y reflexionar, algo que en esa época las bandas de rock, acertadamente, se permitían.

El uso de esa breve pausa denominada staccato (entre las estrofas), como intento de acortar las notas y contener de algún modo la expansión sonora es un elemento que lleva al curioso riff con el que se desata esta canción (de base rítmica muy característica de los ochenta) y al mismo tiempo apuntala la inteligente elección de descansar los teclados y el Hammond B3 y apostar por el protagonismo de las guitarras. «One Day» es un insólito conjuro que ofrece al oyente la capacidad de desplazarse durante unos minutos por tranquilas sombras, o bajo la eterna luz que solo logramos entrever cuando se aproxima una tormenta.

One Day, de The Church

Vinilo o cedé - Foto (cc) Acidpix

Vinilo o cedé: ¿qué suena mejor?

¿Vinilo o cedé? - Foto: Chema Helmet
¿Vinilo o cedé? Tú decides - Foto: Chema Helmet
Un artículo de Chema Helmet – última actualización el 04/10/2012
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Avi Buffalo - At Best cuckold

Memories Of You, de Avi Buffalo [crónicas a destiempo]

At Best Cuckold
Avi Buffalo: At Best Cuckold
Texto: Daniel Jándula
Artista: Avi Buffalo
Álbum: At Best Cuckold
Editado por: Sub-Pop (2014)


Género: Indie traicionero
Calificación: Notable

El autor
se cuestiona
qué es lo que
ha hecho mientras
entiende que
la culpa se
quedó adherida
a sus manos

En la música, especialmente dentro del pop, existe la tendencia de tomar los desencuentros y los desengaños amorosos como algo que ya se ha aceptado, algo que dolía, pero en el tiempo presente apenas es una cicatriz; casi se contempla con agradecimiento por el supuesto aprendizaje que conlleva. Parece que ha sido idea de todos que sucediera; que no se cumplirá con cierta función curativa del arte en caso contrario. De ahí el valor del segundo disco de Avi (Zahner-Isenberg) Buffalo. Entrando en el terreno ambiguo de la desolación, arrastrándose por las alfombras de los momentos más bajos y contradictorios de quien ha sido herido en lo vivo por la ausencia de otro cuerpo.

La clave principal de esta banda de Long Beach, California, está en tomar la música como vía de escape, como lugar donde encontrarse a salvo de esa traición sufrida en la vida real. En el ejemplo concreto de Memories Of You, las disonancias y la brillantez melódica, la sospechosa alegría que sostiene a la canción y los coros seguidos de trompas, con unas cortinas sonoras extraídas de un órgano lejano van conjurando los peores y los mejores recuerdos sin aceptación ni decoro, en una pieza que desprende un amable rencor propio de los géneros noventeros, en los que el dolor suele escocer (tal como el de una espalda tostada al sol) más que dejar huella, porque entonces (quizá queden restos de ese nihilismo ahora) nada importaba demasiado. Memories Of You es un hermoso gesto que, aun estando ubicado en un terreno accesible para una audiencia amplia, no impide que se produzca el efecto pretendido por Zhaner-Isenberg: mirar la progresión que ha adquirido aquello que empezó con una celebración, finaliza en el chasquido de unas llamas y logra que el autor se cuestione qué es lo que ha hecho mientras entiende que la culpa se quedó adherida a sus manos.

Memories Of You, de Avi Buffalo

In-A-Gadda-Da-Vida

¿Cuál es la canción más larga del mundo?


In-A-Gadda-Da-Vida es una composición de 1968 de diecisiete minutos de duración, grabada por la banda de San Diego (California, EE.UU.) Iron Butterfly.

Esta canción apareció en su segundo disco de estudio (Iron Butterfly, Atco Records 1968), y por primera vez en la historia una cara de un elepé por completo estaba ocupada por una única composición que además se convirtió en un gran éxito comercial del que seguro que Pink Floyd tomó muy buena nota.

Desde entonces, muchos han sido los compositores que han querido romper ataduras con el confinamiento que los soportes físicos imponen sobre sus obras y se han lanzado a componer piezas de duración imposible.

Una canción de Record Guinness


De acuerdo con el Libro Guinness de los Récords, la canción más larga lanzada comercialmente es Zwei Jahre (“Dos años”) de la banda alemana de pop Phrasenmäher que dura 90 minutos y 10 segundos.
Se trata de una canción editada por Sony Music Entertainment Germany GmbH en enero de 2014 a través de iTunes, Amazon y Spotify que contiene 482 refranes y un total de 11 588 palabras.

De 24 horas a mil años

Dejamos los Récords Guinness aparte, y sin ningún ánimo exhaustivo, te ofrecemos a continuación tres ejemplos de obras de duración imposible. ¿Te atreves a escucharlas de un tirón?

The Flaming Lips
Wayne Coyne (the Flaming Lips), apóstol del frikismo musical longevo | Foto: Chema Helmet

The Flaming Lips: 7 Skies H3

En 2011 los cabezashuecas de Oklahoma comandados por el imprevisible Wayne Coyne grabaron una canción de 24 horas de duración que se incluyó en un epé titulado 24 Hour Song Skull. De este disco se editaron 13 copias que se comercializaron en unas unidades de memoria flash que iban insertadas en el interior de auténticos cráneos humanos. ¿El precio de cada epé? 5000 dólares estadounidenses.
www.satelliteheartradio.com/24/


Jem Finer: Longplayer

Esta pieza se reproduce desde la computadora del músico inglés Jem Finer (que fue uno de los fundadores originales de The Pogues) desde la medianoche del 31 de diciembre de 1999 y terminará de sonar el 31 de diciembre de 2999. En ese momento, volverá a sonar desde el principio.
Además de vía Internet, también se puede escuchar en Londres en el faro del Trinity Buoy Wharf.
www.longplayer.org


John Cage: As Slow As Possible

Halberstadt es una ciudad alemana en el estado de Sajonia-Anhalt con una población de unos 40 000 habitantes. En su centro histórico está la iglesia de San Burchardi donde se puede escuchar una obra para órgano compuesta por el estadounidense John Cage, que empezó a sonar en 2001 y que terminará de sonar el próximo 5 de septiembre de 2640, ¡639 años después!
La iglesia de Halberstadt tiene muchas cosas que contar, es todo un símbolo de la historia europea, ya que ha sobrevivido a la Guerra de los 30 Años, a las cazas de brujas medievales, a las cacerías y deportaciones de judíos organizadas por los nazis en el siglo XX, a los bombardeos aliados (que destruyeron el 80% de toda la ciudad), a los saqueos del Ejército Rojo de Stalin, a la separación de Alemania…

Mediante un sistema de pesos y fuelles que proporcionan el aire necesario para hacerlo funcionar por sí solo, el órgano de la iglesia de San Burchardi comenzó a reproducir esta pieza (que empieza con un silencio de diecisiete meses de duración) en 2001. De acuerdo con la partitura, los cambios de acorde han sido y serán el 5 de julio de 2012, el 5 de octubre de 2013 y el 5 de septiembre de 2020, a este último le seguirá una nota final que sonará durante nada menos que 620 añitos.
El hecho de que se reproduzca en Halberstadt y no en otro sitio no es casual, pues en esta ciudad sajona se construyó el primer órgano de tubos conocido, fue construido exactamente 639 años antes de que John Cage compusiera esta obra. ¿Lo pillas?
www.aslsp.org/de/home.html


¿Cuál es la canción más larga que jamas has escuchado entera? Amigos de festivalesdepop.com, esperamos con ganas vuestros comentarios. ¡Sorprendednos!

Los pasteles verdes

Los Pasteles Verdes: Esclavo y Amo (1975) [Canciones del otro lado]

Bicicleta
Los Pasteles Verdes, romanticismo patilludo en la cumbre de Macchu Picchu

Escucha “Esclavo y Amo” de Los Pasteles Verdes

Intérprete: Los Pasteles Verdes
Compositor: José Vaca Flores
Editado por: Infopesa Records (Perú, 1975)

El grupo Los Pasteles Verdes surgió en 1970 en Chimbote en la región de Áncash (Perú). Formado por siete estudiantes de la Gran Unidad Escolar San Pedro: el cantante Aldo Guibovich, el guitarrista Víctor Hugo Acuña, el teclista César Acuña, el cantante tropical Germán Laos, el baterista Ernesto Pozo, el bajista Miguel Moreno y el percusionista Raúl Padilla.

En 1975 llegó su primer éxito internacional con Esclavo y Amo, una canción del mexicano José Vaca Flores grabada originalmente por Javier Solís, lo que los llevó a ser denominados por las revistas Billboard y Cash Box como “Los Románticos de América”.

(Fuente: Wikipedia)

De Juepuchas

De Juepuchas: Hola Adiós Amigo [Canciones del otro lado]

De Juepuchas
De Juepuchas adivina quién será el próximo Presidente de Colombia

Escucha “Hola Adiós Amigo”


Intérprete: De Juepuchas
Compositor: De Juepuchas
Editado por: Autoeditado (Colombia, 2010)

Quema - Bicicletas

Bicicletas: Quema (2009) [Canciones del otro lado]

Bicicleta
Bicicletas, rock vitaminado para quemar grasas

Escucha “Quema”


Intérprete: Bicicletas
Compositor: Bicicletas
Editado por: Estamos Felices ‎– Bingo! Records (Argentina, 2009)

Ases falsos

Ases falsos: Mantén la conducción (2014) [Canciones del otro lado]

Ases falsos
Ases falsos, melodías coquetas en movimiento perpetuo

Escucha “Mantén la conducción”

Intérprete: Ases Falsos
Compositor: Cristóbal Briceño
Editado por: Quemasucabeza (Chile, 2014)

La libre expresión: Ella no está ahí (1969) [Canciones del otro lado]

La Libre Expresión
La Libre Expresión, pura psicodelia garajera mexicana

Ella no está ahí

Intérprete: La libre expresión
Autor: El Camino
Discos Zave (México, 1969)

Soundsystem // Foto (cc) Konsul

El sastre del vinilo: John Hassell [mundo vinilo]

Magnetofón // Foto (cc) Gilles Péris y Saborit
Grabador de cinta magnetofónica Akai // Foto (cc) Gilles Péris y Saborit
Si eras músico, vivías en Londres en las décadas de los años 60 y 70 del siglo XX, tenías poca pasta y necesitabas transferir tus grabaciones desde cinta magnetofónica a un vinilo, el estudio John Hassell Recordings era un buen sitio adónde ir.
Porque recordemos que en aquella época tanto las grabaciones caseras (las maquetas, vaya) o las profesionales (las hechas en estudios de grabación profesionales, vamos), se realizaban con grabadores de cinta magnetofónica o “magnetófonos”. Algo así como la cinta de cassette, pero a lo grande.
Sólo era cuestión de presupuesto si te podías permitir grabar tu música en magnetófonos de 2 pistas, magnetófonos estéreofónicos (los famosos “4 pistas”) o magnetófonos multipistas (de 8, 16 o 24 pistas de audio.). Puro vintage sonoro en formato analógico.

John Hassell Recording Studios
John Hassell Recording Studios, un tesoro escondido en Barnes. Mapa cortesía de Soundofthehound.com
A lo que vamos, el estudio de John Hassell estaba ubicado en una casita del agradable barrio londinense de Barnes. Allí (21 Nassau Road, London SW13) vivía el Sr. Hassell con su esposa rodeados de todo tipo de cacharrería. Sin ir más lejos el centro de la salita lo presidía un enorme torno de fabricación alemana donde el Sr. Hassell cortaba discos de acetato (también conocidos como dubplates).

Básicamente, un dubplate es un disco de aluminio recubierto con una capa de laca sobre el que directamente puede grabarse sonido o al que se le puede transferir sonido desde otra fuente (desde un magnetófono, por ejemplo).
Los dubplates se han utilizado a lo largo de la historia para muchas cosas, pero en la época y lugar que nos ocupa eran usados ávidamente por los pinchadiscos de los “reggae sound systems” – unos potentes equipos de sonido itinerantes instalados en furgonetas-, que habían llegado a Londres desde Jamaica a través de la influencia cultural de las diferentes olas de emigrantes que provenientes de las Antillas, llegaron masivamente a las Isla Británicas desde la década de los años 40 del siglo XX.
En las guerras de “sound systems” que se organizaban los suburbios negros londinenses los pinchadiscos competían por ganarse el favor del exigente -e intransigente- público pinchando dubplates con las novedades más calentitas del momento.

Un disco editado por John Hassell
Un disco editado por John Hassell
Mientras que el Sr. Hassell (ingeniero de sonido de profesión), ofrecía sus modestos servicios (servicios que hoy llamaríamos low cost, vamos) para la grabación (estudio portátil, cortadora de acetatos…) y edición de discos (editaba ocasionalmente bajo la etiqueta “John Hassell Recordings” discos de vinilo de 10 y 12 pulgadas a artistas de segunda fila), a la vuelta de la esquina (en Church Road) se ubicaban los famosos Olympic Studios donde grababan por entonces músicos de talla mundial: Jimi Hendrix, Led Zeppelin, The Rolling Stones, The Eagles…

Dennis Bovell, el maestro del dub
Dennis Bovell, el maestro del dub
La historia nos lleva ahora al año 1977 cuando el músico de reggae y dub originario de Barbados Dennis Bovell encontró en las páginas amarillas de Londres un anuncio de una empresa que ofrecía sus servicios de corte de discos de acetato: efectivamente, se trataba de John Hassell Recordings.
Bovell se encaminó hacía el barrio de Barnes y al llegar al lugar en cuestión se encontró con un venerable anciano británico de elegantes maneras, ciego desde la Segunda Guerra Mundial y que fumaba sin parar enormes cigarros habanos, mientras que su esposa Felicity no paraba de preparar tazas de té y café.

Bovell le dijo a Hassell que necesitaba “cortar” sus grabaciones de cinta a un disco de acetato, pero que era música jamaicana y que hasta ahora no había encontrado a nadie capaz de transferir el sonido desde cinta sin que perdiera su esencia, la música jamaicana los blancos no la entendían, al transferirla a disco se perdía toda la potencia de los bajos (esos “bajos pesados”); en definitiva Bovell buscaba a alguien que supiese trabajar con las frecuencias graves debidamente.

El Sr.Hassell se puso manos a la obra y Bovell comprobó de forma sorprendente que John Hassell era un auténtico maestro en su trabajo y que era capaz de grabar dubplates de dub y reggae con el mejor sonido que jamas había escuchado. ¡Y a qué precios!
La noticia corrió como la pólvora (“hay un tío en Londres que sabe cortar discos de reggae“) y la casa de la familia Hassell se llenó bien pronto de músicos de reggae provenientes de las cuatro esquinas del Reino Unido y los dubplates “made in Hassell” pasaron a convertirse en piezas muy cotizadas por los “sound systems”.


El single Tour-de-force de Dr Bird llegó al número 10 de la lista británica de singles de reggae en julio de 1978. Fue cortado por John Hassell.

Por desgracia, la historia de John Hassell apenas está documentada (¡si no estás en la Wikipedia no existes!), aunque se pueden ver imágenes suyas trabajando en su estudio en el documental de la BBC “Reggae Britannia“.

Torreblanca

Torreblanca: Dejé de ser yo [En clave de video]

En 2010, Juan Manuel Torreblanca y su grupo editaron su epé Defensa. En 2012 llegó Bella Época su primer disco de larga duración, editado por Arts & Crafts. El quinteto de México D.F. ha trabajado bajo la producción de Quique Rangel (Café Tacvba).

Juan Manuel Torreblanca: piano y voz
Andrea Balency: acordeón y voz
Alex “El Tío” Balderas: saxofón, flauta y clarinete
El Abuelo Zavala: bajo
Jerson: batería

Entrevista a Fellows

Fellows: “Necesitamos silencio para generar ruido” [Conoce tu escena]

Entrevista a Fellows
Fellows: dos hombres y un destino
Escucha a Fellows



Una entrevista de Chema Helmet

Fellows:

Lugar de residencia / base de operaciones:
– La residencia en Valladolid, la base de operaciones en un pueblecito alejado de la ciudad, necesitamos silencio para generar ruido.

Vuestra formación actual la componen:
– Somos un dúo, formado por Manuel Lopez a la batería y percusiones y por el menda (Manuel, también) a la guitarra, armónicas, voces, bajo (y cabra ocasional). Nos apoyamos en otros músicos de la escena como Javier Saso a las guitarras y lap steel.

Lleváis metidos en esta historia desde el año:
– Como Fellows desde el 2013, unos mesecicos, que en órbita de Saturno no es más que un suspiro.

Vuestro último disco/álbum/maqueta editado es por ahora:
– Se llama After Saturn y es nuestro primer y último trabajo.

Con qué grupos / artistas os gusta que os comparen:
– Con cualquiera que tenga éxito, reconocimiento de masas, y haya pasado por el quirófano.

Con qué grupos / artistas no os gustan que os comparen:
– Siempre mola que te comparen, es curioso ver las referencias que tiene la gente.

Seleccionad tres discos esenciales de vuestra discoteca:
– Yo te diría más que discos, artistas; Robert Johnson, los primeros Kinks y The Jayhawks, por ejemplo.

¿Hacéis música para pensar o música para bailar?
– Pues yo te diría, que música para no pensar, (al menos para no pensar nosotros).

¿Os gusta más componer canciones sueltas o álbumes completos?
– Yo no llego a tanto como para diseñar discos completos, las canciones van saliendo y ya.

Necesitamos
silencio para generar
ruido

¿Que es Fellows: rock polvoriento, blues desdentado, folk saturado, indie de armónica desnaturalizado…?
– Mira, pues jugando con las definiciones que das, me quedo con blues desnaturalizado, o indie desdentado, o armónica saturada… (RISAS). ¡Se nota que el anuncio de Bob Dylan e ING Direct está reciente!

¿En dúo mucho mejor?
– Sin duda, tanto para composición como para directos y ensayos, todo es mucho más espontáneo, da lugar a improvisaciones y a estar muy cómodo en escenarios, y eso se nota.

¿Por qué cantáis en inglés?
– Bueno, realmente las claves y los mensajes son muy sencillos, nos gusta arroparlos con la sonoridad del inglés, como un instrumento más.

¿Quién de vosotros lleva el pelo más largo?
– Dónde, cuándo y por que… (Risas).

¿Vinilo, cedé o emepetrés?
– Vinilo para disfrutar y emepetrés para todo lo demás.

Vuestro facebook es:
https://www.facebook.com/fellowstheband

Vuestro bandcamp es:
http://fellowstheband.bandcamp.com

¿Qué es lo mejor que la crítica ha dicho de vosotros?
– Desde El fanzine magicpop, debo reconocer que una lagrimita sí que me cayó… http://magicpopcat.blogspot.com.es/2014/05/el-duo-fellows-cabalga-after-saturn-con.html

¿Y lo peor?
– Como acabamos de empezar con este proyecto, de momento no somos tan importantes como para que nos pongan a parir… (Risas)

¿Tenéis ya muchas groupies?
– No.

¿Es vuestro último disco siempre el mejor?
– En este caso, ¡por ser el único no hay más remedio!

¿Algún grupo/artista que vosotros conozcáis y nosotros no?
– Daddy long lengs, Steve Seasick, que se yo, todos del palo blues desdentado que comentabas.

Por último, podéis decir lo que os apetezca…
– Nos apetece todo y de todo.

El picture disc (1900)

El picture disc (1900)

El picture disc es un disco fonográfico que muestra imágenes o dibujos sobre su superficie, en vez de ser de un disco de vinilo de color negro o coloreado. Para ser considerado como “picture disc“, las imágenes o dibujos deben extenderse desde la etiqueta del centro sobre la zona reproducible del disco. No se consideran como picture disc aquellos discos que tienen una de su caras ilustradas, pero que no incluye música grabada.

Picture disc de Nueva Jersey
Recuerdos de Nueva Jersey

Los precursores

Los primeros discos con dibujos grabados directamente sobre su superficie fueron editados a comienzos del siglo XX (hacia 1900) por la Canadian Berliner Gramophone Company. Se trataba de unos discos de gramófono (discos de laca) de siete pulgadas que llevaban grabado como medida anti-piratería el característico logotipo de “La Voz de su Amo” (His Master’s Voice) en el que aparecía un perro junto a un gramófono.

Hacia 1909 aparecieron en el mercado unas tarjetas postales de cartón de forma rectangular que llevaban pegado sobre su lado ilustrado un disco transparente de celuloide; este sistema evolucionó con el paso del tiempo y las grabaciones en vez de estar en unos discos pegados pasaron a estar impresas directamente sobre la superficie de las postales en una capa transparente que recubría por completo la superficie ilustrada de la tarjeta.
Estas postales solían incluir fotografías de lugares pintorescos o atracciones turísticas y todavía se seguían editando en la década de los 50 del siglo XX. El sistema se extendió a otros ámbitos, y las tarjetas grabadas llegaron a aparecer adosadas a revistas o en las cajas de cereales para el desayuno.

Crisis y consolidación

En la década de los 30 del siglo XX, los picture discs empezaron a ganar popularidad. El fascismo fue muy aficionado a estos discos y a su uso como medio propagandístico. Imágenes del mismísimo Hitler aparecieron en picture discs. Eran todavía discos toscos, hechos de cartón recubierto con una fina película plástica y de una calidad sonora muy baja.

Ya en 1933 la compañía estadounidense RCA Victor empezó a trabajar para conseguir una versión mejorada de estos discos y fue capaz de crear unos discos de laca de color blanco que iban emparedados entre dos capas de plástico de alta calidad sobre las que se prensaban unas ilustraciones Art Decó en blanco y negro.
RCA Victor llegó incluso a editar discos ilustrados a 33 revoluciones (cuando el estándar de la época eran 78 revoluciones por minuto). En todo caso, estos discos eran un producto de gama alta que se editaron en tiradas limitadas y que se vendían a precios muy elevados. El experimento duró poco, pues la crisis económica en tiempos de la Gran Depresión se llevó prácticamente por delante al negocio discográfico y con él los discos ilustrados de RCA Victor.

Discos Vogue
Los Discos Vogue

Tuvo que pasar la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial para volver a ver un resurgimiento del picture disc: fue en 1946, por mediación de Tom Saffardy, que empezó a editar unos discos ilustrados que llamó “discos Vogue“.
Los “Vogues” eran similares a los discos de RCA Victor, salvo que estaban hechos de aluminio en vez de laca, con una calidad de sonido excelente para la época.

El estilo gráfico de los “Vogues” era acorde con sus tiempos: ilustraciones coloristas, que recurrían a escenas exóticas, situaciones simpáticas o incluso dramáticas.

El sitio web de la asociación estadounidense de coleccionistas de discos Vogue o AVPRC, por sus siglas en inglés (“Association of Vogue Picture Record Collectors”) tiene un minucioso registro histórico con imágenes de todos los discos editados por Sav-Way Industries.

Los discos Vogue se vendían a 1.05 dólares, un precio un 50% superior a los discos “normales” de diez pulgadas. El punto débil de los discos Vogue era la falta de grabaciones firmadas por artistas de prestigio o superventas; eso provocó que una vez pasada la fase de “curiosidad” por los consumidores, las ventas cayeran rápidamente y el negocio tuvo que cesar su actividad en 1947.

Pero Vogue abrió la puerta y otros le siguieron, como fueron los discos infantiles editados por compañías como Record Guild of America, Voco o Red Raven Movie Records, que editaron sus discos ilustrados a partir de finales de los años 40 y durante la década siguiente.

Air conditioning, de Curved air
Air conditioning, de Curved air

Llega una nueva generación

Hubo que esperar hasta la década de los 70 del siglo XX para ver aparecer una nueva generación de picture discs, orientada ya no al segmento infantil, sino al público en general.

El primer paso lo dio Metronome Records, una filial de Polydor que construyó discos con cinco capas laminadas (fabricadas por 3M), algunas de ellas extruidas y colocadas sobre una placa base de vinilo negro.

El primer picture disc de la era moderna fue editado por Warner Bros. en el Reino Unido en 1971: fue Airconditioning, el primer disco del grupo progresivo británico Curved Air. La imagen utilizada en la cara B del disco incluía una imagen que al girar creaba un efecto óptico.El diseño del disco era de Mark Hanau (quien llegó a ser manager del grupo) y se hizo una tirada limitada de 2000 ejemplares.

En EE.UU., el primer picture disc fue editado por Fotoplay en 1978, fue el disco To Elvis: Love Still Burning, un disco de homenaje al Rey del Rock que lleva impresas sendas fotografías de Elvis.

Esto fue sólo el comienzo, desde entonces el disco ilustrado o picture disc le ha servido a grupos y artistas para satisfacer a sus fans más ávidos (editando en ellos rarezas, directos, etcétera) o para sacarle la pasta a coleccionistas de todo el mundo (o si no que se lo pregunten a los Kiss, por ejemplo).

Bueno, sin llegar al extremo de Stevie Wonder que llegó a editar una versión de su Journey through the Secret Life of Plants (1979) que incluía una capa de papel secante con semillas de alfalfa incrustadas, de forma que si se ponía el disco en agua las semillas germinarían y crecerían sobre el disco.

Fuente: Wikipedia

Entrevista a Los Hermanos Cubero

Los Hermanos Cubero: “Hacemos música normal para gente normal”

Entrevista a Los Hermanos Cubero
Los Hermanos Cubero // Foto: Chema Helmet
Escucha a Los Hermanos Cubero


Flor de Canciones es -por ahora- el último disco de Los Hermanos Cubero, un dúo de guitarra y mandolina formado por una par de hermanos oriundos de La Alcarria y afincados en Cataluña que desde 2010 pasean su insólita fórmula por toda España.

La música de los Hermanos Cubero es música actual -que no moderna-, firmemente asentada en la tradición castellana y que utiliza como vehículo expresivo las formas del bluegrass estadounidense.
Pero por encima de todo la música de los Hermanos Cubero es un canto a la libertad: a la libertad de crear y de ser por encima de todo uno mismo.

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La 101 Strings Orquesta es una prolífica organización musical que editó centenares de álbumes entre 1957 y 1981

101 strings Orchestra

El alma española
El alma española

Texto: Chema Helmet

La 101
Strings
Orquesta
vendió
más de
cincuenta
millones
de discos

Hablar de 101 Strings Orchestra es hablar de una de las más prolíficas y eficientes organizaciones musicales surgidas en la segunda mitad del pasado siglo XX, que llevó un género funcional y ligero como el sinfonismo Easy Listening hasta sus últimas consecuencias.
Entre 1957 y 1981 esta orquesta grabó y editó cientos de discos (sólo en 1958 editaron ¡24 elepés!) siempre basados en la misma receta: melodías inmortales, una producción impecable, un sonido cristalino y agradable para todos los públicos y una infalible sección de cuerdas colocada en primer plano en la mezcla final de todos sus discos.

La 101 Strings Orquesta es un producto surgido de la mente del inquieto estadounidense David L.Miller (1925-1985), que en 1957 subcontrató a la orquesta de la Radio Noroeste de Hamburgo (Orchester des Nordwestdeutschen Rundfunks Hamburg), dirigida por Wilhelm Stephan, para grabar discos de versiones orquestales con las canciones populares del momento. Miller ya tenía experiencia en la industria discográfica: su olfato le había llevado en 1952 a editar las primeras grabaciones de Bill Haley & His Comets en su propio sello Essex.

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Miller concibió a “101 Strings Orchestra” como una marca donde lo importante no son los músicos que tocan, sino el concepto: discos con versiones orquestales de músicas populares.
La idea subyacente en el nacimiento de 101 Strings Orchestra era la de ser una alternativa low cost a otras orquestas de moda en aquellos tiempos (como la del italiano Mantovani o la serie “Jackie Gleason presents…“); por eso Miller optó por reclutar para su proyecto una orquesta europea desconocida para el gran público (mucho más barata que las orquestas estadounidenses).

Los discos de 101 Strings Orchestra eran discos temáticos, sus canciones siempre tenían un hilo conductor: canciones sobre países exóticos (como España), sobre las series de televisión del momento, sobre el verano y las vacaciones… El producto se completaba con un inconfundible diseño gráfico de sus carpetas, un eslogan (“The Sound of Magnificence“) y la misma foto en tonos sepia de la orquesta alemana (formada por 124 instrumentistas de cuerdas, de los que ¡123! eran varones) tomada en el Musikhalle de Hamburgo eran maraca de la casa. Los discos eran editados en el sello Somerset de, cómo no, David L.Miller, quien además era dueño de la editorial Chesdel Music.

La venta de los discos de 101 Strings Orchestra se hacía a través de supermercados y comercios de alimentación y drugstores. Miller vendía sus discos a un equipo de comerciales a 93 centavos la pieza y estos a su vez se lo vendían a dueños de las tiendas y comercios de alimentación. El precio de venta al público era de 1,98 dólares el disco.

Tributo a Lennon

En la primera etapa de 101 Strings Orchestra, el equipo de arreglistas y compositores estuvo formado por Robert Lowden, Joseph Francis Kuhn y Monty Kelly. Pero esta etapa concluyó en 1964 cuando Miller vendió el proyecto a Al Sherman, dueño de una distribuidora de discos. Sherman creó el sello Alshire en Los Ángeles (EE.UU.) y trasladó las sesiones de grabación desde Alemania a Londres (Inglaterra).
A pesar de la venta a Alshire, Miller siguió vinculado al proyecto y se ocupó de supervisar las labores de producción y de A&R.
La “etapa Alshire” funcionó hasta finales de la década de los sesenta, cuando el tirón comercial de los discos de la 101 Strings Orquesta empezó a decaer. El canto del cisne de la orquesta fue en enero 1981 con el lanzamiento de un disco tributo a John Lennon.

En 1995 Madacy Entertainment compró el sello Alshire label y empezó a reeditar el fondo de catálogo de la 101 Strings Orchestra en cedé a la vez que puso en marcha a la “New 101 Strings Orchestra”. Pero esa es otra historia.

(Fuente: wikipedia)

Cómo piratear un disco de vinilo 7 Foto (CC) Nick Harris1

Cómo piratear un disco de vinilo

¡Mejor que en Bricomanía!
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Entrevista a Clara Plat

Clara Plath [conoce tu escena]

Entrevista a Clara Plath
Clara Plath: lirismo sónico a base de rojo // Foto: Fernando Crêgo
Escucha a Clara Plath



Una entrevista de Chema Helmet / Fotos: Fernando Crêgo

Clara Plath:

Lugar de residencia / base de operaciones:
– Murcia.

¿Vuestra formación de directo sois…?
– Clara Plath: voz y guitarra
– Roberto López: teclados, coros y guitarra
– Gabi Holden: guitarra
– Miguel Ángel: bajo
– Sergio Nicolei: batería

¿Lleváis metidos en esta historia desde el año?
– Desde marzo de 2013.

¿Vuestro último disco/álbum/maqueta editado es por ahora?
– Nuestra primera maqueta, Ten Tristes Tracks.

¿Con qué grupos / artistas os gusta que os comparen?
– Clara: Con Clara Plath.

¿Con qué grupos / artistas no os gusta que os comparen?
– Clara: De lo que NO me gusta, prefiero NO hablar.

Seleccionad tres discos esenciales de vuestra discoteca:
– Clara: Pablo Honey de Radiohead, Stories from the city, stories from the sea de PJ Harvey y Sintética de Nudozurdo.
– Roberto: Something wrong de Bang Gang, Closer de Joy Division y Faith de The Cure, por supuesto.

¿ ¿Vinilo, cedé o emepetrés?
– Clara: Sin duda, vinilo y cassette.
– Roberto: Llevo un tiempo pensando que no hay mejor formato en cuanto a resistencia que el cassette, los cedés nos los vendieron como un soporte eterno, incapaz de rallarse, resistente al agua, y cada vez duran menos, el sonido vinilo es genial, pero tienes que llevar un cuidado extremo, conservarlo muy bien para que te dure… y ni con esas, los emepetrés, ¡¡¡buff!!! Sin embargo tu pones una cassette de tu abuelo y joder, se sigue escuchando perfectamente, cuando dentro de tres mil años los extraterrestres lleguen a nuestro planeta no quedará otra cosa sobre la faz de la tierra que cassettes… y cucarachas.

Vuestro facebook es
https://www.facebook.com/ClaraPlath

Vuestro bandcamp es:
https://claraplath.bandcamp.com/

¿Twitter?
https://twitter.com/ClaraPlath

¿Qué es lo mejor que la crítica han dicho de vosotros?
– Clara: que mi voz es como la de “un gorila subido a un platillo volante“.

¿Y lo peor?
– Clara: Aún no nos han hecho mucho daño. Estamos esperando.

¿Es vuestro último disco siempre el mejor?
– Roberto: Decidimos poner en marcha el grupo porque teníamos muchas ideas que queríamos llevar a cabo, muchas melodías, muchas canciones. El ritmo sigue creciendo y el momento de inspiración no ha parado. Colgamos en el bandcamp del grupo diez temas que habíamos ido grabando de forma doméstica bajo el nombre de Ten Tristes Tracks, teníamos tantas ganas de que la gente pudiera escuchar lo que estábamos haciendo que no hemos podido esperar a meternos a un estudio a grabar de forma más “profesional”.
Necesitábamos tener una tarjeta de presentación para poder tocar en directo, y desde luego nos ha servido. ¿Es nuestro último disco siempre el mejor? Estamos muy orgullosos de lo creado pero tenemos una necesidad insaciable de seguir creando.

¿Qué podemos esperar en un concierto de Clara Plath?
– Roberto: Ante todo esperamos que la gente disfrute, y que tengan los oídos y los ojos bien abiertos, nunca se sabe qué puede pasar. En cuanto a lo musical podrán encontrar canciones con alma que van desde el rock mas áspero de Seattle al folk, algún medio tiempo e incluso algo de sonido Manchester. Lo mejor es que vengáis a vernos.

Clara, hasta ahora te conocíamos por tu faceta poética, ¿dónde y cuándo surge la determinación de incursionar en el mundo de la música?
– Clara: Compongo canciones desde la adolescencia, pero hasta el año pasado no me decidí a mostrarlo. Necesitaba llegar al momento idóneo de madurez personal y creativa, cuando una sabe lo que quiere y cómo lo quiere.

¿Qué diferencias encuentras entre salir a un escenario recitar tus poemas y salir a un escenario a cantar canciones?
– Clara: Cuando recito mis poemas, hago un ejercicio de exhibicionismo radical, es algo más íntimo y solitario. Cuando salgo con la banda, las canciones reflejan el trabajo en equipo, la creatividad colectiva y la inspiración conjunta. Es hacer arte con otros, y eso me fascina.

¿Cómo es para tí la relación entre poesía y música?
– Clara: Indisoluble. En mi caso, son dos maneras de expresar y abrir mi sensibilidad a los demás.

¿Algún día te oiremos cantando en español?
– Clara: Seguramente sí, porque no me pongo ningún límite artístico. Tampoco descarto el francés, me resulta muy musical.

La
última
palabra
la
tienen
nuestras
canciones

Has declarado que tus poemas son un poco catastrofistas y vuestra primera grabación vais y la tituláis Ten tristes Tracks. ¿Nos tenemos que tomar lo vuestro al pie de la letra?
– Clara: Más que tristeza yo aludiría a una cierta melancolía, pero no hay que hacernos demasiado caso. Nuestras canciones también están llenas de luz, energía y cierto toque maligno.

¿Qué término te identifica más: poeta, poetisa, cantante, femme fatale…?
– Clara: Mutante

¿Bajo qué etiqueta os sentís más cómodos: pop multisensorial, sombras chinescas musicadas, lirismo sónico…?
– Clara: Lo de “lirismo sónico” me gusta, pero prefiero que las etiquetas nos las pongan los demás. Es más divertido.

¿Algún grupo/artista que vosotros conozcáis y nosotros no?
– Clara: Benjamin Biolay.
– Roberto: Os recomiendo cualquier proyecto en el que esté inmerso Bardi Johannsson, ya sea con Lady & Bird, Bang Gang, Haxan y ahora mismo con su reciente proyecto Starwalker, me fascina sobremanera este islandés.

Por último, podéis decir lo que os apetezca…
– Clara: La última palabra la tienen, siempre, las canciones.
– Roberto: ¡besos y abrazos!

Synthtable

Synthtable, el tocadiscos sintetizado

¿Es un sinte, es un tocata?... ¡Es el Synthtable!
¿Es un sinte, es un tocata?... ¡Es el Synthtable!

El alma
de un
sintetizador
atrapada
en el cuerpo
de un
tocadiscos

Black Cat Sylvester es un tipo de Nashville (EE.UU.) que desde hace años se dedica al oficio de pinchar vinilos y actuar en compañía de colegas de profesión como The Sylvester Scratch Band, The Perfect Hours o Call It Anything. Su maña le ha llevado a inventar el Synthtable, una mezcla entre tocadiscos, controlador MIDI y sintetizador, una invención para que el diyei se convierta en un instrumentista más.

Del Synthtable no se sabe mucho, porque la patente del cacharro en cuestión todavía no está registrada, pero en palabras de su autor: “estudiando los principios de las interfaces trigonométricas (es decir, cómo crear una continuidad melódica desde una forma circular) y aplicando mi experiencia de uso del tocadiscos a las posibilidades de generar tonos, he inventado un prototipo llamado el Synthtable. Este cacharro impone su voluntad en moléculas aéreas insospechadas y en entusiastas de la música a base de atrapar el alma de un sintetizador en el cuerpo de un tocadiscos”.

Lo mejor es que lo veas tú mismo en acción:

Texto: Chema Helmet


Más información

· www.synthtable.org/

Cassette Foto (CC) Niecieden

Cassette, ¿te fuiste o no te fuiste?

Cassette, ¿te fuiste o no te fuiste?
Foto: (CC) Niecieden

La
música
suena
muy bien
en cassette
(Bobby Gillespie,
Primal scream)

El 7 de septiembre de 2013 es la fecha escogida para la celebración del primer Cassette Store Day. La iniciativa ha cobrado cuerpo en Inglaterra, organizada por diversos sellos independientes como Bella Union, 4AD, Kissability, Domino, Sexbeat y Transgressive.

Para ese día se han previsto la salida al mercado en versión cassette de álbumes de Animal Collective, The Flaming Lips (¿cómo iba Wayne Coyne a perderse esta efeméride?), Deerhunter, Pulled Apart By Horses, Guided By Voices, Fucked Up, Los Campesinos!, The Pastels, At The Drive-In, Suicidal Tendencies, Efterklang…

Además, tiendas de discos de EE.UU., Holanda, Argentina, Suecia, Finlandia, República Checa, Italia… se han unido a las festividades y el día 7 de septiembre organizarán actividades especiales en sus establecimentos.

La materialización de lo intagible

Cuando Spotify y demás servicios digitales de streaming han conseguido la completa desvinculación de la música de su soporte, resulta que sellos, músicos, coleccionistas y aficionados de todo tipo vuelven a reivindicar el uso del cassette analógico.

Pues precisamente esa desmaterialización del soporte es la que explica el resurgir de los formatos analógicos clásicos como el vinilo y el cassette. Un cassette o un vinilo son objetos materiales, son tangibles -por contraposición a una suscripción a un servicio de streaming- por lo que se pueden vender como un producto. Esto es especialmente significativo en el caso de coleccionistas y fans, para quienes la posesión de un objeto es la razón de ser de su pasión.

Pero frente al simbolismo de un objeto mucho más caro y menos transportable como el vinilo, el cassette representa una alternativa más barata para cubrir el vacío que deja en nuestras estanterías la intangibilidad del streaming y de los soportes digitales. Barata no sólo desde el punto de vista del comprador, sino también del vendedor, ya que los cassettes son mucho más baratos de fabricar.

Ahora que vuelve el cassette y que el vinilo nunca se fue, ¿volverá también el laserdisc?

Texto: Chema Helmet


Más información

· cassettestoreday.com/

Funk sisters mixtape

Funk sisters mixtape [nos gustan las playlists]

Funk sisters mixtape
Helmet dj se vuelve loco con las caderas cimbreantes

Escucha Funk Sisters mixtape

Clip de audio: Es necesario tener Adobe Flash Player (versión 9 o superior) para reproducir este clip de audio. Descargue la versión más reciente aquí. También necesita tener activado Javascript en su navegador.


Duración total: 62’ 26”

  1. Rose Royce – Car wash
  2. Gloria Gaynor – Never can say goodbye
  3. Donna Summer – Hot stuff
  4. Thelma Houston – Don’t leave me this way
  5. Linda Clifford – If my friends could see me now
  6. Amii Stewart – Knock on wood
  7. Diana Ross – The boss
  8. Ann Sexton – You’re gonna miss me
  9. Betty Harris – Ride your pony
  10. Tina Turner – Keep on using me
  11. Bobbi Humphrey – Baby don’t you know
  12. Jody Gayles – You gotta push
  13. The Jones girls – Will you be there?
  14. Linda Clifford – Never gonna stop
  15. Grace Jones – I need a man
  16. Labelle – Lady Marmalade
La Yegros - Viene de mí

Viene de mí [canciones del otro lado]

Cumbia entre las flores // Foto: Pablo Mensi

Viene de mí muestra a Mariana Yegros, La Yegros, en todo su esplendor. Es una cumbia escrita por Daniel Martin y producida por Gaby Kerpel (King Coya) para el sello ZZK, un colectivo bonaerense especialista en agitar las noches porteñas con carnosas dosis de electrocumbia.

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El discman - foto (CC) gurms

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El D-50 fue el primer modelo de reproductor portátil de cedés lanzado al mercado -por Sony- en 1984
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